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Published by Philippe Guillaume. Produced by Productions 3655 Inc.
Photography and Walking is a podcast about how moving through the world changes the way we see it. Each episode explores photographers, artworks, and places where walking and seeing meet — from city streets to coastlines and blindfolded performances in Venice. Host Philippe Guillaume brings together the history of photography, storytelling, and observation to trace how images map experience step by step. Photography and Walking est un balado sur la manière dont le fait de se déplacer dans le monde transforme notre regard. Chaque épisode explore des photographes, des œuvres et des lieux où la marche et le regard se croisent — des rues de la ville aux rivages, jusqu’aux performances à l’aveugle à Venise. Philippe Guillaume y mêle histoire de la photographie, récit et observation pour montrer comment les images tracent, pas à pas, notre expérience du monde. — Opening and closing theme: Beat’em with Rhythm — Victor Natas (CC BY 4.0 / freesound.org) A production of Productions 3655 Inc.
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A stranger turns a corner. You follow. In 1969, Vito Acconci created Following Piece, a work in which he selected strangers at random on the streets of New York and followed them until they disappeared into a private space. The idea is simple. The questions it raises are anything but. In this episode of Photography and Walking, we explore how surrendering your own route changes the experience of walking, why Following Piece still feels unsettling today, and how photography became less a finished image than a record of an action. Along the way, we reflect on surveillance, attention, consent, conceptual art, and the strange moment when someone else's path quietly becomes your own. Related images and references: PhotographyAndWalking.com Un inconnu tourne au coin d'une rue. Vous le suivez. En 1969, Vito Acconci réalise Following Piece , une œuvre dans laquelle il choisit au hasard des inconnus dans les rues de New York et les suit jusqu'à ce qu'ils disparaissent dans un espace privé. Le principe est d'une simplicité désarmante. Les questions qu'il soulève le sont beaucoup moins. Dans cet épisode de Photography & Walking, nous explorons ce qui se passe lorsque l'on renonce à choisir son propre itinéraire, pourquoi Following Piece demeure aussi dérangeante aujourd'hui, et comment la photographie y devient moins une image qu'une trace d'une action. Au fil de cette réflexion, il est question de surveillance, d'attention, de consentement, d'art conceptuel et de cet étrange moment où le parcours de quelqu'un d'autre commence discrètement à devenir le nôtre. Related images and references: photographyandwalking.com — Music: “ Beat ’em with Rhythm” by Victor Natas , edited for this podcast ( CC BY 4.0 , Freesound.org). Produced by Productions 3655 Inc.
At first glance, almost nothing seems to happen. Six people stand outside a photography studio in Newark, New Jersey, in 1962. No one looks toward the camera. Everyone is watching something beyond the edge of the frame. Yet the longer we stay with Lee Friedlander's photograph, the richer it becomes. Repeated gestures, shared gazes, architecture and small visual echoes quietly connect the scene, revealing relationships that are easy to miss at first glance. In this episode, we explore how Friedlander discovered meaning not by isolating individual subjects, but by noticing how ordinary elements briefly come together. Walking invites us to cultivate that same attention, revealing moments that often disappear before we even realize they were there À première vue, il ne semble presque rien se passer. Six personnes se tiennent devant un studio de photographie à Newark, au New Jersey, en 1962. Personne ne regarde vers l'appareil. Tous observent quelque chose qui se trouve hors champ. Mais plus on demeure devant cette photographie de Lee Friedlander, plus elle révèle sa richesse. Des gestes qui se répondent, des regards, l'architecture et de subtils échos visuels relient discrètement les différents éléments de la scène. Dans cet épisode, nous découvrons comment Friedlander s'intéressait moins aux sujets eux-mêmes qu'aux relations passagères qui les unissent. Une invitation à marcher plus lentement et à porter attention à ces instants ordinaires qui disparaissent souvent avant même que nous les remarquions. Related images and references: photographyandwalking.com — Music: “ Beat ’em with Rhythm” by Victor Natas , edited for this podcast ( CC BY 4.0 , Freesound.org). Produced by Productions 3655 Inc.
A woman moves through Eugène Atget's photograph and becomes a blur. Everything around her remains sharp: the building, the street lamp, the posters, the cobblestones. Yet the passerby seems to dissolve into the street itself. In this episode of Photography and Walking, we spend time with Cabaret, Rue Mouffetard, a photograph made in Paris around 1899–1900. Through Atget's patient observation of an ordinary street corner, we explore attention, memory, urban space, and the relationship between walking and photography. The episode reflects on the street corner as a place of encounter and possibility, considers Walter Benjamin's famous reading of Atget's work, and asks what happens when a photographer devotes sustained attention to the everyday world. More than a century after the photograph was made, the people who once moved through this corner have vanished. Yet traces remain. Dans cet épisode, nous regardons Cabaret, Rue Mouffetard, une photographie réalisée par Eugène Atget à Paris vers 1899–1900. À première vue, l'image semble presque banale : un coin de rue, un bâtiment, quelques passants, une lampe, des affiches collées au mur. Pourtant, plus on demeure avec elle, plus cette photographie commence à révéler sa richesse. À travers le regard patient d'Atget, l'épisode explore les liens entre la marche, la photographie, la mémoire et l'espace urbain. Il réfléchit le coin de rue comme lieu de rencontre et de possibilité, à l'attention portée aux détails du quotidien, ainsi qu'à la silhouette floue qui traverse l'image et introduit discrètement le temps dans la photo. En pensant notamment à Walter Benjamin et Edward Soja, l'épisode s'intéresse à la manière dont les photographies conservent bien davantage que des lieux physiques. Elles accumulent aussi des traces de conversations, d'habitudes, de déplacements et de vies aujourd'hui disparues. Ce qui demeure n'est pas un monument, mais un coin de rue observé avec suffisamment d'attention pour révéler toute la richesse de l'ordinaire. Related images and references: photographyandwalking.com — Music: “ Beat ’em with Rhythm” by Victor Natas , edited for this podcast ( CC BY 4.0 , Freesound.org). Produced by Productions 3655 Inc.
A temporary circle appears on the snowy floor of a forest in Tierra del Fuego. Nearby, traces of footsteps, mud, ash, and weather quietly record the passage of a body moving through the landscape. In this episode, we explore the work of Richard Long through a series of photographs and texts produced during a six-day winter walk in Patagonia and Tierra del Fuego in 1997. Moving beyond the idea of walking as journey or endurance, we consider how Long's work focuses on contact: the brief marks left behind when movement meets the ground. Through circles, boot-heel lines, scattered ashes, and temporary inscriptions, Long invites us to think about walking, landscape, memory, and the fragile traces that remain before eventually disappearing. Related images and references: PhotographyAndWalking.com Un cercle temporaire apparaît sur le sol enneigé d'une forêt de la Terre de Feu. Autour de lui, des traces de pas, de boue, de cendres et de météo témoignent discrètement du passage d'un corps à travers le paysage. Dans cet épisode, nous explorons l'œuvre de Richard Long à travers une série de photographies et de textes réalisés lors d'une marche hivernale de six jours en Patagonie et en Terre de Feu en 1997. Au-delà de la marche comprise comme voyage ou performance, nous nous intéressons à la notion de contact : les marques fugitives laissées lorsque le mouvement rencontre le sol. Cercles, lignes tracées par une botte, cendres dispersées par le vent et inscriptions temporaires deviennent autant de façons d'interroger la marche, le paysage, la mémoire et les traces fragiles que nous laissons derrière nous avant qu'elles ne disparaissent. Related images and references: photographyandwalking.com — Music: “ Beat ’em with Rhythm” by Victor Natas , edited for this podcast ( CC BY 4.0 , Freesound.org). Produced by Productions 3655 Inc.
A young boy crouches on a New York sidewalk, drawing with chalk on the pavement. Around him, rough circles and fading lines spread across the concrete. At first glance, the scene appears simple. Yet the longer we remain with Helen Levitt’s photograph, the more the sidewalk itself begins to change. In this episode, we explore how a temporary act of drawing transforms an ordinary urban surface into a place of attention, memory, and presence. Along the way, we look at Levitt’s remarkable approach to street photography, her observations of everyday life during the Great Depression, and the relationship between walking, photography, and the traces people leave behind. Related images and references: Photographyandwalking.com Un jeune garçon est accroupi sur un trottoir de New York, occupé à dessiner à la craie sur le pavé. Autour de lui, des cercles imparfaits et des lignes déjà en train de s’effacer se déploient sur le béton. À première vue, la scène semble simple. Pourtant, plus on demeure avec la photographie d’Helen Levitt, plus le trottoir lui-même commence à changer de signification. Dans cet épisode, nous explorons comment un geste éphémère transforme une surface urbaine ordinaire en lieu d’attention, de mémoire et de présence. Nous découvrons également l’approche singulière de Levitt envers la photographie de rue, son regard sur la vie quotidienne durant la Grande Dépression et les liens entre la marche, la photographie et les traces que nous laissons derrière nous. Related images and references: photographyandwalking.com — Music: “ Beat ’em with Rhythm” by Victor Natas , edited for this podcast ( CC BY 4.0 , Freesound.org). Produced by Productions 3655 Inc.
In 1992, Gabriel Orozco rolled a sphere of plasticine through the streets of New York City. As it moved, the surface gathered dust, stones, fragments of metal, cracks, and countless traces left behind by contact with the city itself. The work, titled Yielding Stone , exists somewhere between sculpture, performance, walking, and process. This episode explores how the sphere functions as a record of movement. Rather than representing the city, it allows the city to leave physical impressions behind through friction, pressure, and continual contact. The walk becomes visible on the surface of the object itself. The episode also considers the relationship between Yielding Stone and photography. Like a photographic surface receiving an exposure, the sphere remains open to transformation. What accumulates are traces, residues, and marks produced through movement across space and time. Yielding Stone invites us to think differently about orientation, walking, and the body in the city. Here, walking is not simply observation. It becomes a way of producing a surface on which the world can write itself. En 1992, Gabriel Orozco a fait rouler une sphère de pâte à modeler dans les rues de New York. Au fil de son déplacement, la surface de la sphère a accumulé poussière, pierres, fragments de métal, fissures et innombrables traces laissées par le contact avec la ville. L’œuvre, intitulée Yielding Stone , se situe à la croisée de la sculpture, de la performance, de la marche et du processus. Cet épisode explore la manière dont la sphère agit comme un enregistrement du mouvement. Plutôt que de représenter la ville, elle permet à celle-ci de laisser des empreintes physiques à travers la friction, la pression et le contact continu. La marche devient visible à même la surface de l’objet. L’épisode s’intéresse également à la relation entre Yielding Stone et la photographie. Comme une surface photographique recevant une exposition, la sphère demeure ouverte à la transformation. Ce qui s’y accumule est fait de traces, de résidus et de marques produites par le mouvement dans l’espace et le temps. Yielding Stone nous invite à penser autrement l’orientation, la marche et le corps dans la ville. Ici, marcher n’est pas simplement observer. C’est produire une surface sur laquelle le monde peut laisser son empreinte. Related images and references: photographyandwalking.com — Music: “ Beat ’em with Rhythm” by Victor Natas , edited for this podcast ( CC BY 4.0 , Freesound.org). Produced by Productions 3655 Inc.
In 1967, Mariette Pathy Allen photographed a woman walking past a storefront mannequin somewhere between New Jersey and Philadelphia. At first, the image appears ordinary: a pedestrian, a display window, the rhythm of the street continuing around them. But slowly, something unstable begins to emerge between the moving figure and the constructed body behind glass. This episode explores how walking unfolds not only through urban space, but through systems of visibility already shaping how bodies are seen, interpreted, and recognized. Moving between Allen’s early street photograph and her later work with transgender and gender-nonconforming communities, the episode reflects on photography, gender, presence, and the fragile boundary between the lived body and the body as representation. As the photograph opens, walking becomes something more than movement through the city. It becomes movement through expectations, images, and structures that already existed before the body arrived. Related images and references: photographyandwalking.com En 1967, Mariette Pathy Allen photographie une femme marchant devant un mannequin dans une vitrine quelque part entre le New Jersey et Philadelphie. À première vue, l’image semble ordinaire : une passante, une vitrine, le rythme de la rue qui continue autour d’elles. Mais peu à peu, quelque chose d’instable commence à émerger entre la figure en mouvement et le corps construit derrière la vitre. Cet épisode explore la manière dont la marche se déploie non seulement dans l’espace urbain, mais aussi à travers des systèmes de visibilité qui façonnent déjà la manière dont les corps sont vus, interprétés et reconnus. En reliant cette photographie de rue précoce au travail ultérieur d’Allen auprès des communautés transgenres et non conformes au genre, l’épisode réfléchit à la photographie, au genre, à la présence et à la frontière fragile entre le corps vécu et le corps comme représentation. À mesure que l’image s’ouvre, marcher devient autre chose qu’un simple déplacement dans la ville. Cela devient un mouvement à travers des attentes, des images et des structures déjà présentes avant même l’arrivée du corps. Related images and references: photographyandwalking.com — Music: “ Beat ’em with Rhythm” by Victor Natas , edited for this podcast ( CC BY 4.0 , Freesound.org). Produced by Productions 3655 Inc.
Episode 16 looks at a photograph made by William Klein during the St. Patrick’s Day parade in New York City in 1955. Rather than photographing the crowd from a safe or distant position, Klein moves directly into it. Faces press toward the surface of the image, space compresses, and the photograph begins to feel less like observation and more like physical encounter. The episode explores how Klein’s background in painting — including his studies with Fernand Léger in postwar Paris — shaped his approach to photography through form, pressure, and proximity. It also considers how walking operates within the image itself: not as solitary movement, but as negotiated movement among others, inside the density of public space. Along the way, the episode reflects on Klein’s landmark 1956 photobook Life is Good & Good for You in New York, and on how his work departs from the more classical model of street photography associated with Henri Cartier-Bresson and the “decisive moment.” Walking in the Crowd continues the broader trajectory of Photography and Walking by exploring how movement shapes not only what photography records, but how images themselves come into being. Related images and references: photographyandwalking.com Dans l’épisode 16, nous nous intéressons à une photographie réalisée par William Klein lors du défilé de la Saint-Patrick à New York en 1955. Plutôt que de photographier la foule à distance ou depuis une position protégée, Klein entre directement à l’intérieur de celle-ci. Les visages semblent poussés vers la surface de l’image, l’espace se comprime, et la photographie commence à ressembler moins à une observation qu’à une rencontre physique. L’épisode explore comment la formation de Klein en peinture — notamment ses études auprès de Fernand Léger dans le Paris d’après-guerre — a influencé son approche de la photographie à travers la forme, la tension visuelle et la proximité. Il réfléchit également à la manière dont la marche agit à l’intérieur même de l’image : non pas comme un déplacement solitaire, mais comme un mouvement négocié parmi les autres, au cœur de la densité de l’espace public. Au fil de l’épisode, il est aussi question du livre marquant de Klein publié en 1956, Life is Good & Good for You in New York, ainsi que de la manière dont son travail s’éloigne du modèle plus classique de la photographie de rue associé à Henri Cartier-Bresson et à l’idée du « moment décisif ». Walking in the Crowd poursuit ainsi la réflexion plus large de Photography and Walking sur la façon dont le mouvement façonne non seulement ce que la photographie enregistre, mais aussi la manière dont les images elles-mêmes prennent forme. Related images and references: photographyandwalking.com — Music: “ Beat ’em with Rhythm” by Victor Natas , edited for this podcast ( CC BY 4.0 , Freesound.org). Produced by Productions 3655 Inc.
In 1985, Hamish Fulton walked for eight days in central Saskatchewan, near Ajawaan Lake. The work begins there. This episode stays with a simple shift that takes time to register. The photographs are not the work. They follow it. What we encounter comes after a movement that has already unfolded, step by step, across distance and time. Fulton’s practice emerges at a moment when art moves beyond the object, opening toward action, duration, and presence. Walking becomes a form in itself, shaped by rhythm, repetition, and the body moving through space without leaving a trace behind. What remains are fragments. Images, sequences, words that hold something of that experience without ever reconstructing it. As the work unfolds in one of its forms, the leporello extending outward image by image, something begins to change. What remains from the walk takes shape here as sequence, as structure, as a movement held on paper. The act of looking slows down, drawn along its length, following rather than stopping. Episode 15 reflects on that movement, and on how walking can be understood not as a means to reach something, but as something that already holds its own form. Images, references, and links are available at photographyandwalking.com En 1985, Hamish Fulton a marché pendant huit jours dans le centre de la Saskatchewan, près du Ajawaan Lake. L’œuvre commence là. Cet épisode s’attarde à un déplacement simple qui demande du temps pour être perçu. Les photographies ne sont pas l’œuvre. Elles la suivent. Ce que nous rencontrons vient après un mouvement qui s’est déjà déployé, pas à pas, à travers la distance et le temps. La pratique de Fulton émerge à un moment où l’art dépasse l’objet, s’ouvrant vers l’action, la durée et la présence. Marcher devient une forme en soi, façonnée par le rythme, la répétition et le corps en mouvement dans l’espace, sans laisser de trace. Ce qui demeure prend la forme de fragments. Des images, des séquences, des mots qui retiennent quelque chose de cette expérience sans jamais la reconstituer. Lorsque l’œuvre se déploie dans l’une de ses formes, le leporello s’étendant image après image, quelque chose commence à changer. Ce qui reste de la marche prend ici la forme d’une séquence, d’une structure, d’un mouvement inscrit sur le papier. Le regard ralentit, entraîné le long de son déploiement, avançant plutôt que s’arrêtant. L’épisode 15 réfléchit à ce mouvement, et à la manière dont la marche peut être comprise non pas comme un moyen d’atteindre quelque chose, mais comme quelque chose qui porte déjà sa propre forme. Related images and references: photographyandwalking.com — Music: “ Beat ’em with Rhythm” by Victor Natas , edited for this podcast ( CC BY 4.0 , Freesound.org). Produced by Productions 3655 Inc.
In 1961, Canadian artist Michael Snow created a simple silhouette of a woman mid-stride. He called it Walking Woman . What followed became one of the most quietly radical gestures in postwar Canadian art. Repeated across paintings, plywood cut-outs, and photographic situations between 1961 and 1967, the figure appears in galleries, on walls, and even among real pedestrians in the streets of Toronto. In this episode of Photography and Walking, Philippe Guillaume explores how Michael Snow transformed walking into a conceptual form. While street photographers of the 1960s chased fleeting moments on sidewalks and intersections, Michael Snow constructed a walker who never moves yet endlessly persists. Through repetition, seriality, and a constant silhouette, Walking Woman reveals something fundamental about photography: the tension between movement and stillness, chance and structure, the fleeting body and the image that remains. Images, references, and links are available at photographyandwalking.com En 1961, l’artiste canadien Michael Snow crée la silhouette simple d’une femme en pleine foulée. Il l’appelle Walking Woman . Ce geste donnera naissance à l’une des propositions les plus discrètement radicales de l’art canadien d’après-guerre. Répétée dans des peintures, des découpes en contreplaqué et des interventions photographiques entre 1961 et 1967, la figure apparaît dans les galeries, sur les murs et même parmi de véritables passants dans les rues de Toronto. Dans cet épisode de Photography and Walking, Philippe Guillaume explore comment Michael Snow transforme la marche en une forme conceptuelle. Alors que les photographes de rue des années 1960 poursuivent des instants fugitifs sur les trottoirs et aux intersections, Michael Snow construit une marcheuse qui ne bouge jamais et pourtant persiste indéfiniment. Par la répétition, la sérialité et une silhouette constante, Walking Woman révèle quelque chose de fondamental sur la photographie : la tension entre mouvement et immobilité, entre hasard et structure, entre le corps fugitif et l’image qui demeure. Related images and references: photographyandwalking.com — Music: “ Beat ’em with Rhythm” by Victor Natas , edited for this podcast ( CC BY 4.0 , Freesound.org). Produced by Productions 3655 Inc.
In 2004, Francis Alÿs carried a leaking can of green paint through Jerusalem, tracing the path of the 1949 armistice line — a border once drawn in pencil on a map, later absorbed into the city’s streets and neighborhoods. The gesture was simple: walk, and let the paint fall. The line appeared, thinned, broke, and disappeared. It depended entirely on duration. Unlike walls or engineered boundaries, it left no infrastructure behind — only a fleeting trace that invited attention rather than authority. In this episode of Photography and Walking, Philippe reflects on fragility as a form of perception. How can a line that vanishes still carry force? What does walking reveal that maps cannot? Through photography and movement, A Line Walked explores memory, borders, and the quiet tension between the poetic and the political. Images, references, and links are available at photographyandwalking.com En 2004, Francis Alÿs a parcouru Jérusalem avec un pot de peinture verte percé, traçant au sol le parcours de la ligne d’armistice de 1949 — une frontière d’abord dessinée au crayon vert sur une carte, puis absorbée au fil du temps par les rues et les quartiers de la ville. Le geste était simple : marcher, et laisser la peinture s’écouler. La ligne apparaissait, s’amincissait, se fragmentait, puis disparaissait. Elle dépendait entièrement de la durée. Contrairement aux murs ou aux infrastructures frontalières, elle ne laissait aucune construction durable derrière elle — seulement une trace éphémère qui invitait l’attention plutôt que l’autorité. Dans cet épisode de Photography and Walking, Philippe réfléchit à la fragilité comme forme de perception. Comment une ligne qui s’efface peut-elle néanmoins porter une force ? Que révèle la marche que les cartes ne montrent pas ? À travers la photographie et le mouvement, A Line Walked explore la mémoire, les frontières et la tension silencieuse entre le poétique et le politique. Related images and references: photographyandwalking.com — Music: “ Beat ’em with Rhythm” by Victor Natas , edited for this podcast ( CC BY 4.0 , Freesound.org). Produced by Productions 3655 Inc.
In this episode of Photography and Walking , Philippe Guillaume explores Josef Koudelka’s photographs of the barrier that separates Israel and Palestine. Photographed between 2008 and 2012, the series traces the wall across hills, orchards, roads, and neighbourhoods. Rather than presenting the structure as a single dramatic event, Koudelka approaches it through repetition and movement. Working with panoramic photographs and returning to the region repeatedly over four years, he reveals the wall slowly, as something that stretches beyond the limits of any single frame. Walking becomes central to the work. The photographs accumulate presence through time, showing how a political decision hardens into concrete, wire, and shadow and begins to reorganize the rhythms of everyday life. This episode reflects on how photography and walking together make it possible to approach such a structure not through spectacle, but through duration. Dans cet épisode de Photography and Walking , Philippe Guillaume explore les photographies que Josef Koudelka a prises de la barrière séparant Israël et la Palestine. Prises entre 2008 et 2012, elles suivent le mur à travers des collines, des vergers, des routes et des quartiers. Plutôt que de présenter la structure comme un événement spectaculaire, Koudelka l’aborde par la répétition et le déplacement. Travaillant avec un appareil panoramique et revenant plusieurs fois dans la région sur une période de quatre ans, il révèle progressivement le mur, comme quelque chose qui dépasse toujours les limites d’une seule image. La marche devient centrale dans ce travail. Les photographies accumulent une présence dans le temps et montrent comment une décision politique se matérialise en béton, en grillage et en ombre, réorganisant peu à peu les rythmes de la vie quotidienne. Cet épisode réfléchit à la manière dont la photographie et la marche permettent d’aborder une telle structure non pas par le spectacle, mais par la durée. Related images and references: photographyandwalking.com — Music: “ Beat ’em with Rhythm” by Victor Natas , edited for this podcast ( CC BY 4.0 , Freesound.org). Produced by Productions 3655 Inc.
When we think about night photography, Brassaï’s images of Paris often come immediately to mind — cafés, wet streets, and figures moving through pools of light. But in this episode of Photography and Walking, Philippe Guillaume turns to a different body of work: Brassaï’s photographs of graffiti. The image discussed here, made around 1944–45, shows marks carved into a Paris wall. These gestures were left by anonymous hands long before the photographer arrived. Under grazing light, the surface begins to resemble a sculptural relief. A face appears, not drawn but emerging from shadow and depth. From this photograph, the episode explores how photography can reveal form through light in ways that echo sculpture. It also considers how walking through the city allows photographers to encounter the traces left behind by others: scratches, carvings, and inscriptions that accumulate over time. Brassaï’s graffiti photographs show that cities are not only places we move through — they are surfaces that remember. Quand on pense à la photographie de nuit, les images de Paris réalisées par Brassaï viennent immédiatement à l’esprit : cafés, rues humides, silhouettes traversant des îlots de lumière. Mais dans cet épisode de Photography and Walking, Philippe Guillaume se tourne vers un autre ensemble d’images : les photographies de graffitis de Brassaï. La photographie évoquée ici, réalisée vers 1944-45, montre des marques gravées sur un mur parisien. Ces gestes ont été laissés par des mains anonymes bien avant l’arrivée du photographe. Sous une lumière rasante, la surface commence à ressembler à un relief sculptural. Un visage apparaît — non pas dessiné, mais émergent de l’ombre et de la profondeur. À partir de cette image, l’épisode explore la manière dont la photographie peut révéler la forme par la lumière, dans un dialogue discret avec la sculpture. Il s’intéresse également à la marche dans la ville comme mode de découverte des traces laissées par d’autres : griffures, incisions et inscriptions qui s’accumulent au fil du temps. Les photographies de graffitis de Brassaï montrent que les villes ne sont pas seulement des lieux que nous traversons — ce sont aussi des surfaces qui se souviennent. Related images and references: photographyandwalking.com — Music: “ Beat ’em with Rhythm” by Victor Natas , edited for this podcast ( CC BY 4.0 , Freesound.org). Produced by Productions 3655 Inc.
In 1968, VALIE EXPORT walked through Vienna with Peter Weibel crawling behind her on a leash. The city did not slow. It continued. This episode explores feminist performance art, public space, and the politics of walking in 1968 Vienna. This episode examines From the Portfolio of Doggedness , a performance that survives through five black-and-white documentary photographs. EXPORT did not stage a spectacle. She stepped into public space and altered its internal hierarchy — revealing how streets discipline posture, movement, and gendered presence. Against the backdrop of second-wave feminism and a conservative Viennese urban culture, the work exposed how deeply public space is structured. The most striking element is not the leash, but the city’s indifference. Photography and Walking returns to a central question: what becomes visible when a walk disrupts the logic of the street? Visit photographyandwalking.com for images and references. En 1968, VALIE EXPORT a traversé Vienne tandis que Peter Weibel rampait derrière elle, tenu en laisse. La ville n’a pas ralenti. Elle a continué. Cet épisode explore la performance féministe, l’espace public et la politique de la marche dans la Vienne de 1968. Cet épisode examine From the Portfolio of Doggedness , une performance qui se perpétue à travers cinq photographies documentaires en noir et blanc. EXPORT n’a pas mis en scène un spectacle. Elle est entrée dans l’espace public et en a modifié la hiérarchie interne — révélant comment les rues disciplinent la posture, le mouvement et la présence genrée. Dans le contexte du féminisme de la deuxième vague et d’une culture urbaine viennoise conservatrice, l’œuvre révèle à quel point l’espace public est structuré. L’élément le plus frappant n’est pas la laisse, mais l’indifférence de la ville. Photography and Walking revient à une question centrale : que devient visible lorsqu’une marche perturbe la logique de la rue ? Visitez photographyandwalking.com pour les images et les références. Related images and references: photographyandwalking.com — Music: “ Beat ’em with Rhythm” by Victor Natas , edited for this podcast ( CC BY 4.0 , Freesound.org). Produced by Productions 3655 Inc.
Photography is never neutral. Every image comes from a position, a distance, a moment chosen instead of another. Walking works the same way. Each step frames the world, shaping what comes into view and what falls away. In this episode of Photography and Walking, we look at Sohei Nishino’s Diorama Maps — large photographic works assembled from thousands of images gathered while walking cities for extended periods of time. These maps don’t describe cities as they are planned. They assemble them as they are lived. Moving between panoramic views and intimate details, Nishino’s work reveals the city as an accumulation of footsteps, pauses, and returns — a fabric woven from experience rather than from coordinates. Images and sources for this episode are available on the episode page at photographyandwalking.com. La photographie n’est jamais neutre. Chaque image provient d’une position, d’une distance, d’un moment choisi plutôt qu’un autre. La marche fonctionne de la même manière. Chaque pas cadre le monde, déterminant ce qui entre dans le champ et ce qui s’en échappe. Dans cet épisode de Photography and Walking, nous nous penchons sur les Diorama Maps de Sohei Nishino — de vastes œuvres photographiques assemblées à partir de milliers d’images prises en marchant dans des villes pendant des périodes prolongées. Ces cartes ne décrivent pas les villes telles qu’elles sont planifiées. Elles les assemblent telles qu’elles sont vécues. Oscillant entre vues panoramiques et détails intimes, le travail de Nishino révèle la ville comme une accumulation de pas, de pauses et de retours — une trame tissée par l’expérience plutôt que par les coordonnées. Les images et les sources de cet épisode sont disponibles sur la page de l’épisode à photographyandwalking.com. Related images and references: photographyandwalking.com — Music: “ Beat ’em with Rhythm” by Victor Natas , edited for this podcast ( CC BY 4.0 , Freesound.org). Produced by Productions 3655 Inc.
What happens when photography refuses neutrality? In this episode of Photography and Walking , we step into the uneasy space between documentary and art through the work of Allan Sekula. Often treated as evidence or record, photographs are rarely neutral. Sekula reminds us that every photograph carries intention, position, and power. Focusing on Walking on Water , part of his larger Fish Story project, this episode traces how photography can act not as transparent documentation, but as critique — shaped by history, labour, and global systems. Walking becomes method, and sequencing becomes meaning. This is an episode about photographs that do not simply show the world, but that, through steps, also question how it is seen. Que se passe-t-il lorsque la photographie refuse la neutralité ? Dans cet épisode de Photography and Walking , nous entrons dans l’espace instable entre documentaire et art à travers le travail d’Allan Sekula. Souvent perçues comme des preuves ou des enregistrements du réel, les photographies sont rarement neutres. Sekula nous rappelle que chaque photographie porte une intention, une position et une relation au pouvoir. En se concentrant sur Walking on Water , partie intégrante de son vaste projet Fish Story , cet épisode explore comment la photographie peut agir non comme une documentation transparente, mais comme une forme de critique — façonnée par l’histoire, le travail et les systèmes globaux. La marche devient une méthode, et la mise en séquence devient un lieu de sens. Il s’agit d’un épisode sur des photographies qui ne se contentent pas de montrer le monde, mais qui, à travers les pas, interrogent aussi la manière dont il est vu. Related images and references: photographyandwalking.com — Music: “ Beat ’em with Rhythm” by Victor Natas , edited for this podcast ( CC BY 4.0 , Freesound.org). Produced by Productions 3655 Inc.
Recorded on location in Venice, this episode asks a simple but unsettling question: what happens when we walk through one of the most visually saturated cities in the world without seeing? Following earlier reflections on Sophie Calle’s work with following and attention, Blind in Venice turns toward blindness as a way of rethinking perception. The episode moves through Calle’s Les Aveugles , Carmen Papalia’s Blind Field Shuttle , and earlier collective walking experiments, all of which challenge the idea that vision is the default way of knowing a place. Venice is usually consumed through the tourist gaze — a city scanned for views, landmarks, and images already known in advance. Walking without sight disrupts that logic. Sound, touch, rhythm, and proximity take over. The city flips inside out. To explore this idea, I stood blindfolded for 36 minutes at the steps of Santa Maria della Salute. Each minute, guided by a metronome, I took one photograph — not composed through a viewfinder, but triggered by what I heard, felt, and sensed around me. The images that resulted are traces of presence rather than sights. Blind in Venice is about slowing down, resisting spectacle, and asking what comes into focus when we stop looking. Enregistré sur place à Venise, cet épisode pose une question simple, mais déstabilisante : que se passe-t-il lorsque l’on traverse l’une des villes les plus regardées au monde sans voir ? Dans le prolongement des réflexions amorcées autour de Sophie Calle et de l’attention portée aux gestes, Blind in Venice s’intéresse à la cécité comme manière de repenser la perception. L’épisode traverse Les Aveugles de Calle, le Blind Field Shuttle de Carmen Papalia, ainsi que des expériences de marche collective plus anciennes, toutes remettant en question l’idée que la vision serait le mode par défaut pour comprendre un lieu. Venise est habituellement abordée à travers le regard touristique — une ville parcourue à la recherche de vues attendues, de repères déjà connus. Marcher sans voir vient rompre cette logique. Le son, le toucher, le rythme et la proximité prennent le relais. La ville se renverse. Pour explorer cette idée, je suis resté immobile, les yeux bandés, pendant 36 minutes sur les marches de Santa Maria della Salute. Chaque minute, guidé par un métronome, j’ai pris une photographie — non pas cadrée par le regard, mais déclenchée par ce que j’entendais et ressentais autour de moi. Les images obtenues sont des traces de présence plutôt que des vues. Blind in Venice explore le ralentissement, le refus du spectaculaire, et ce qui apparaît lorsque l’on cesse de regarder. Related images and references: photographyandwalking.com — Music: “ Beat ’em with Rhythm” by Victor Natas , edited for this podcast ( CC BY 4.0 , Freesound.org). Produced by Productions 3655 Inc.
Episode 6 is a quiet pause between two Venetian chapters — a short bridge in a city full of them. Here, Philippe reflects on what links photography and walking: attention, drift, surprise, and the rhythm of moving through space. Walking prepares the eye; photography gathers what the body has already sensed. Together, they form a way of noticing that builds slowly, step by step. “A Line Across Water” offers a moment to breathe and reorient before the series continues deeper into Venice. L’épisode 6 est une pause tranquille entre deux chapitres vénitiens — un court passage, dans une ville qui en compte tant. Philippe y réfléchit à ce qui relie la photographie et la marche : l’attention, la dérive, la surprise, et le rythme du déplacement. Marcher prépare le regard ; photographier recueille ce que le corps a déjà perçu. Ensemble, ils forment une manière de remarquer le monde qui se construit lentement, pas à pas. « A Line Across Water » offre un moment pour respirer et se réorienter avant que la série ne s’enfonce davantage dans Venise. Related images and references: photographyandwalking.com — Music: “ Beat ’em with Rhythm” by Victor Natas , edited for this podcast ( CC BY 4.0 , Freesound.org). Produced by Productions 3655 Inc.
In Suite Vénitienne , artist Sophie Calle followed a man she barely knew through the streets of Venice, photographing and writing as she traced his movements. What begins as curiosity turns into a study of looking itself — where attention, desire, and intrusion blur. This episode of Photography and Walking explores Calle’s project alongside earlier experiments in surveillance and performance, from Paul Strand’s hidden lenses to Vito Acconci’s Following Piece . We also touch on a walk of my own, in Sunderland, that echoed her quiet pursuit. Together, these acts remind us that walking with a camera is never neutral: it’s a choreography of power, chance, and proximity — an art of following. Dans Suite Vénitienne , l’artiste Sophie Calle suit à Venise un homme qu’elle connaît à peine, photographiant et écrivant au fil de ses pas. Ce qui commence comme une curiosité devient peu à peu une étude du regard lui-même — où l’attention, le désir et l’intrusion se confondent. Cet épisode de Photography and Walking explore ce projet aux côtés d’expériences antérieures de la surveillance et de la performance, de Paul Strand à Vito Acconci et son Following Piece . J’y évoque aussi une marche que j’ai moi-même entreprise, à Sunderland, en écho à la poursuite silencieuse de Calle. Ensemble, ces gestes rappellent que marcher avec un appareil photo n’est jamais neutre : c’est une chorégraphie du pouvoir, du hasard et de la proximité — un art de suivre. Related images and references: photographyandwalking.com — Music: “ Beat ’em with Rhythm” by Victor Natas , edited for this podcast ( CC BY 4.0 , Freesound.org). Produced by Productions 3655 Inc.
In this first episode of Photography and Walking, Philippe reflects on a photograph taken by Mary Ellen Mark in Bombay’s red-light district in 1978. Through the story of Lata — a young woman lying in a narrow, jade-green room — he considers how walking became Mark’s way of gaining access, trust, and understanding. The episode explores how documentary photography moves between empathy and exposure, and how each step a photographer takes shapes what the image can reveal — and what it cannot. Dans ce premier épisode de Photography and Walking, Philippe réfléchit à une photographie prise par Mary Ellen Mark à Bombay en 1978, au cœur du quartier des maisons closes. À travers l’image de Lata, il s’interroge sur la marche comme geste d’accès, de confiance et d’écoute, et sur la manière dont chaque pas du photographe façonne ce que l’image révèle — et ce qu’elle tait. Related images and references: photographyandwalking.com — Music: “ Beat ’em with Rhythm” by Victor Natas , edited for this podcast ( CC BY 4.0 , Freesound.org). Produced by Productions 3655 Inc.
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